Luigi Carriero: el equilibrio secreto entre forma, materia y visión.

Un arte que surge del azar y la sustracción

Luigi Carriero es un artista que parece moverse con ligereza en el mundo de la pintura, pero detrás de su enfoque lúdico se esconde un proceso de investigación refinado y profundo. Nacido en Gallipoli en 1981, Carriero es autodidacta y su trabajo surge de una interacción espontánea con el trazo, donde las formas emergen por azar y se definen a través de un proceso de sustracción. El artista a menudo comienza con bocetos instintivos en el lienzo, permitiendo que la pareidolia - la capacidad humana de reconocer rostros y figuras en trazos aleatorios - guíe su camino creativo. El resultado es un universo visual en el que líneas y colores juegan con la percepción del espectador, invitándolo a participar activamente en la interpretación de la obra.

Entre la figuración y la abstracción, un equilibrio en movimiento

Carriero construye un lenguaje visual fluido, que oscila entre la abstracción y la figuración, sin cristalizarse nunca en una definición rígida. Retratos femeninos, animales y formas híbridas pueblan sus lienzos, a menudo caracterizados por un trazo esencial y una paleta cromática vibrante, que evoca la estética pop y la libertad expresiva del Art Brut. Sus obras parecen contar historias suspendidas, fragmentos de un imaginario que nunca se revela por completo, dejando espacio a la interpretación. La simplificación de la forma es el corazón de su poética: quitar lo superfluo para revelar la esencia de una imagen, exactamente como sucede en el proceso de síntesis típico del diseño y la gráfica contemporánea.

Influencias y contaminaciones entre arte, música y moda

A pesar de no pertenecer a una escuela o movimiento preciso, el trabajo de Carriero se ve influenciado por múltiples influencias. El artista absorbe sugerencias del cine, la moda y la música, creando un diálogo entre disciplinas diferentes. La estética del arte callejero y la gráfica publicitaria emerge en sus composiciones, mientras que la ironía de algunos sujetos recuerda la aparente ligereza de ciertas obras de Keith Haring o Jean-Michel Basquiat. El color se convierte en protagonista, evocando la energía visual de David Hockney o las experimentaciones cromáticas de Alex Katz. Sin embargo, más allá de las influencias, mantiene un lenguaje autónomo, construyendo una estética personal que nunca cede a la homologación.

La invitación a mirar más allá de la superficie

Las obras de Luigi Carriero no son simples imágenes para observar pasivamente, sino dispositivos visuales que estimulan una interacción activa. La percepción del sujeto cambia según el punto de vista, la angulación y el estado de ánimo del espectador. Siempre hay un elemento de sorpresa, una forma que emerge de repente, un rostro que aparece donde parecía haber solo un trazo abstracto. Esta capacidad de transformación hace que su trabajo sea dinámico, abierto, capaz de dialogar con un público amplio sin perder su autenticidad.

#1 respuesta
Tu proceso creativo parece ser muy instintivo, ¿cuándo sientes que una obra está terminada?
Mi proceso creativo se basa intencionalmente en el azar, trazo muchas líneas con lápiz o directamente con pasteles al óleo prestando atención a las figuras pero más al equilibrio general. Luego observo. Mucho. Observo durante mucho tiempo en busca de formas y las ideas llegan solas, "surgen con palabras". Sentir y decidir que la obra está terminada no es sencillo, sentir es algo emocional, automático, decidir requiere más intelecto, la parte racional. Por supuesto, podemos tomar decisiones impulsivas pero a menudo son las cómodas y/o incorrectas. Equilibrar la razón y las emociones no es algo sencillo. A veces seguimos intentando alcanzar lo que consideramos una idea de perfección, pero personalmente detenerse es realmente un buen ejercicio de aceptación y al mismo tiempo de crecimiento. Una obra individual es solo una pieza de un camino. Estamos limitados en el tiempo, terminamos y volvemos a empezar. Además, a menudo, si no pongo límites, obtengo el efecto contrario de alejarme de lo que quería expresar y el trabajo pierde espontaneidad y autenticidad.

#2 respuesta
Tus obras parecen moverse en un límite fino entre lo reconocible e indefinido, como si la figuración fuera un eco dentro de la abstracción. ¿Ha habido algún momento en el que hayas sentido la necesidad de inclinarte completamente hacia uno u otro?
No siento una fuerte necesidad de inclinarme hacia lo reconocible o lo indefinido porque siento ambos impulsos cíclicamente incluso en el desarrollo de una sola obra. Una cosa no excluye a la otra y todo está en constante evolución. En general, me gustan menos los trabajos precisos y limpios, por lo que tiendo más a terminar este "ciclo" inclinándome hacia lo indefinido, pero siempre con un poco de control, porque de lo contrario, en lugar de ser una expresión consciente, sería simplemente una descarga emocional.

#3 respuesta
En tu trabajo, parece que los colores no son simplemente elegidos, sino encontrados en el proceso. ¿Hay alguna emoción o ritmo que guíe tus elecciones cromáticas?
Más que a los colores individuales, doy más importancia a los tonos y al calor, pero también en la elección de colores hay un aspecto de casualidad, incluso con los colores pruebo y vuelvo a probar. Este aspecto de corrección y error es motivador. Siempre hay algo nuevo por aprender y descubrir. A menudo me gusta superponer diferentes capas de color dejando partes incompletas para resaltar los tonos subyacentes, me recuerda a ciertas paredes de pueblo en mi Salento, desgastadas por el tiempo. Sí, creo que con los colores se puede dar ritmo. Creo que la pintura tiene mucho en común con la música si entendemos que ideas, colores y formas se unen como melodía, armonía y tiempo.

#4 respuesta
Observando tus pinturas, parece que quitar es más un acto revelador que una simplificación. ¿Es un proceso que sigues metódicamente o es el lienzo el que te sugiere lo que debe permanecer?
Tiendo mucho a cubrir líneas y trazos y a borrar, o a dejar espacios vacíos de descanso. No se trata de hacer el trazo correcto, sino de hacer emerger algo que veo o que me interesa. Es una búsqueda divertida. Refleja lo que soy y también es un ejercicio de observación y escucha paciente.

#5 respuesta
El arte, la música y el cine son parte de tu imaginario. ¿Hay algún artista, músico o diseñador que haya influenciado particularmente tu visión?
Claramente no hay un solo artista que me haya inspirado, cada uno de nosotros es el resultado de lo que vive y absorbe, y por lo tanto está influenciado por decenas de otros artistas, incluso inconscientemente. Dicho esto, aquellos que ciertamente han dejado una marca en mí son, en desorden: Thelonious Monk, Woody Allen, Thom York, Francis Bacon, David Bowie, Battiato, Goya, Cecchetto, David Lynch, De Gregori, Ibrahim Ferrer, Frassica, Zemeckis, Nirvana, Chet Baker, Arbore, Mirò, The Beatles, Klimt, Schiele, Turner, Beatles, Bach, Mozart. Me gusta el hecho de que no solo sean artistas en el campo de las artes visuales, precisamente porque demuestra que el arte se expresa y se conecta en diferentes formas que se entrelazan y se mezclan. El arte es autenticidad y todos los artistas que he mencionado creo que son auténticos. Sin embargo, creo que el artista que más me ha influenciado es Thelonious Monk por su amor por las soluciones nuevas, inesperadas, por el uso paciente del silencio y por la relevancia que da al tiempo. Sin duda ha tenido un reflejo en mis trabajos.

#6 respuesta
Tus obras invitan al espectador a un juego visual, casi como una caza de formas ocultas. ¿Este elemento lúdico surge del proceso creativo o es una forma de dejar espacio para la interpretación de quien observa?
Lo que está oculto despierta curiosidad e invita al juego. Observar durante mucho tiempo en busca de formas y figuras es ante todo un juego y una sorpresa para mí, ya que veo una nueva imagen crearse ante mis ojos, pero ciertamente también puede ser un juego para aquellos que, curiosos, quieran divertirse observando mis trabajos y quizás compartan mi mismo espíritu. Por ejemplo, me gustan los símbolos y las alegorías en las obras porque remiten a ideas, pensamientos o historias del autor, pero también evocan pensamientos e historias del observador creando conexiones.

#7 respuesta
Si pudieras elegir una sola palabra para describir la atmósfera que quieres evocar en tus trabajos, ¿cuál sería?
Inesperado. Creo que este adjetivo resume mejor mi impronta porque incluye de alguna manera casualidad, juego y cambio, elementos que forman parte de mí y de mis trabajos. Mi proceso creativo está cambiando conmigo, comienzo a tener ganas de contar historias imaginarias o surreales con símbolos y alegorías. Sin embargo, creo que este aspecto, lo inesperado, permanecerá conmigo, ya veremos.

#8 respuesta
Estamos casi al final de la entrevista, en la redacción todos somos apasionados de la música y es uno de los lenguajes artísticos que privilegiamos, ¿te gustaría decirnos tres pistas a las que estás particularmente unido? Gracias.
Al pasear por el portal, noté que les gusta la música, no quiero decir la buena música porque en gustos musicales no son diferentes de los gustos culinarios, cada uno tiene los suyos, algunos comen de todo, algunos comen un poco de todo, otros no les gustan las verduras o evitan la carne.

Me duele elegir solo tres, pero, dentro de mis gustos, hoy el azar ha decidido estas: Monk’s Mood - Thelonious Monk (Underground), Ma come fanno i marinai - (Banana Republic), Pyramid song – (Kid A).