Luigi Carriero : l'équilibre secret entre forme, matière et vision

Un’arte che nasce dal caso e dalla sottrazione

Luigi Carriero est un artiste qui semble évoluer avec légèreté dans le monde de la peinture, mais derrière son approche ludique se cache un processus de recherche raffiné et profond. Né à Gallipoli en 1981, Carriero est autodidacte et son travail naît d'une interaction spontanée avec le trait, où les formes émergent par hasard et se définissent à travers un processus de soustraction. L'artiste part souvent de croquis instinctifs sur la toile, laissant la paréidolie – la capacité humaine de reconnaître des visages et des figures dans des signes aléatoires – guider son parcours créatif. Le résultat est un univers visuel où les lignes et les couleurs jouent avec la perception du spectateur, l'invitant à participer activement à la lecture de l'œuvre.

Entre figuration et abstraction, un équilibre en mouvement

Carriero construit un langage visuel fluide, oscillant entre l'abstraction et la figuration, sans jamais se cristalliser dans une définition rigide. Des portraits de femmes, des animaux et des formes hybrides peuplent ses toiles, souvent caractérisées par un trait essentiel et une palette chromatique vive, évoquant l'esthétique pop et la liberté expressive de l'Art Brut. Ses œuvres semblent raconter des histoires suspendues, des fragments d'un imaginaire qui ne se dévoile jamais complètement, laissant place à l'interprétation. La simplification de la forme est au cœur de sa poétique : enlever le superflu pour révéler l'essence d'une image, exactement comme dans le processus de synthèse typique du design et de la graphisme contemporains.

Influences et contaminations entre l'art, la musique et la mode

Bien que n'appartenant pas à une école ou à un mouvement précis, le travail de Carriero est influencé par de multiples influences. L'artiste absorbe des suggestions du cinéma, de la mode et de la musique, créant un dialogue entre différentes disciplines. L'esthétique du street art et de la publicité graphique émerge dans ses compositions, tandis que l'ironie de certains sujets rappelle la légèreté apparente de certaines œuvres de Keith Haring ou Jean-Michel Basquiat. La couleur devient protagoniste, évoquant l'énergie visuelle de David Hockney ou les expérimentations chromatiques d'Alex Katz. Cependant, au-delà des influences, il maintient un langage autonome, construisant une esthétique personnelle qui ne cède jamais à l'uniformisation.

L'invitation à regarder au-delà de la surface

Les œuvres de Luigi Carriero ne sont pas de simples images à observer passivement, mais des dispositifs visuels qui stimulent une interaction active. La perception du sujet change en fonction du point de vue, de l'angle et de l'état d'esprit du spectateur. Il y a toujours un élément de surprise, une forme qui émerge soudainement, un visage qui apparaît là où il semblait n'y avoir qu'un trait abstrait. Cette capacité de transformation rend son travail dynamique, ouvert, capable de dialoguer avec un large public sans perdre son authenticité.

#1 réponse
Votre processus créatif semble très instinctif, à quel moment sentez-vous qu'une œuvre est terminée?
Mon processus créatif repose intentionnellement sur le hasard, je trace de nombreuses lignes au crayon ou déjà avec des pastels à l'huile en faisant attention aux formes mais surtout à l'équilibre global. Ensuite, j'observe. Beaucoup. J'observe longuement à la recherche de formes et les idées viennent d'elles-mêmes, "elles viennent déjà avec les mots". Sentir et décider que l'œuvre est terminée n'est pas simple, sentir est quelque chose d'émotionnel, d'automatique, décider demande plus d'intellect, de rationalité. Bien sûr, nous pouvons faire des choix dictés par les pulsions mais ce sont souvent ceux qui sont faciles et/ou erronés. Équilibrer la raison et les émotions n'est pas simple. Parfois, nous continuons à essayer d'atteindre ce qui est pour nous une idée de perfection, mais personnellement s'arrêter est vraiment un bel exercice d'acceptation et en même temps de croissance. Une œuvre individuelle n'est qu'une pièce d'un parcours. Nous sommes limités dans le temps, nous finissons et recommençons. Souvent aussi, si je ne fixe pas de limite, j'obtiens l'effet inverse de m'éloigner de ce que je voulais dire et le travail perd en spontanéité et en authenticité.

#2 réponse
Tes œuvres semblent naviguer sur une frontière subtile entre le reconnaissable et l'indéfini, comme si la figuration était un écho au sein de l'abstraction. As-tu déjà ressenti le besoin de basculer complètement vers l'un ou l'autre?
Je ne ressens pas un fort besoin de pencher vers le reconnaissable ou l'indéfini car je ressens les deux besoins de manière cyclique, même dans le développement de chaque œuvre. L'un n'exclut pas l'autre et tout est en constante évolution. En général, j'apprécie moins les travaux précis et nets, donc je suis plus enclin à terminer ce "cycle" en tendant vers l'indéfini, mais toujours avec un peu de contrôle car sinon, au lieu d'une expression consciente, ce serait simplement un exutoire.

#3 réponse
Dans votre travail, il semble que les couleurs ne sont pas simplement choisies, mais trouvées dans le processus. Y a-t-il une émotion ou un rythme qui guide vos choix chromatiques?
Plutôt que sur les couleurs individuelles, je donne plus d'importance aux tons et à la chaleur, mais même dans le choix des couleurs, il y a un aspect de hasard, j'essaie et réessaie aussi pour les couleurs. Cet aspect de correction et d'erreur est motivant. Il y a toujours quelque chose à apprendre et à découvrir. J'aime souvent superposer différentes couches de couleur en laissant des parties incomplètes pour faire ressortir les tons sous-jacents, cela me rappelle certains murs de village dans mon Salento, usés par le temps. Oui, je pense que les couleurs peuvent donner du rythme. Je pense que la peinture a beaucoup en commun avec la musique si l'on considère que les idées, les couleurs et les formes se lient comme une mélodie, une harmonie et un tempo.

#4 réponse
En regardant vos peintures, enlever semble être un acte révélateur plutôt qu'une simplification. Est-ce un processus que vous suivez méthodiquement ou est-ce la toile qui vous suggère ce qui doit rester?
J'ai tendance à recouvrir des lignes et des traits et à effacer, ou à laisser des espaces vides de repos. Il ne s'agit pas de tracer la bonne ligne mais de faire émerger quelque chose que je vois ou qui m'intéresse. C'est une recherche amusante. Cela reflète ce que je suis et c'est aussi un exercice d'observation et d'écoute patiente.

#5 réponse
L'art, la musique et le cinéma font partie de ton imaginaire. Y a-t-il un artiste, un musicien ou un designer qui a particulièrement influencé ta vision ?
Clairement, il n'y a pas un seul artiste qui m'a inspiré, chacun de nous est le résultat de ce qu'il vit et absorbe et est donc influencé par des dizaines d'autres artistes, même inconsciemment. Cela dit, ceux qui ont certainement laissé une marque en moi sont, dans le désordre : Thelonious Monk, Woody Allen, Thom York, Francis Bacon, David Bowie, Battiato, Goya, Cecchetto, David Lynch, De Gregori, Ibrahim Ferrer, Frassica, Zemeckis, les Nirvana, Chet Baker, Arbore, Mirò, les Beatles, Klimt, Schiele, Turner, Bach, Mozart. J'aime le fait qu'ils ne soient pas seulement des artistes dans le domaine des arts visuels, car cela montre que l'art s'exprime et se connecte sous différentes formes qui se rejoignent et se mélangent. L'art est authenticité et tous les artistes que j'ai mentionnés, je crois, sont authentiques. Je pense cependant que l'artiste qui m'a le plus influencé est Thelonious Monk pour son amour des solutions nouvelles, inattendues, pour l'utilisation patiente du silence et pour l'importance qu'il accorde au temps. Il a certainement eu un impact sur mes travaux.

#6 réponse
Tes œuvres invitent le spectateur à un jeu visuel, presque une chasse aux formes cachées. Cet élément ludique provient-il du processus créatif ou est-ce un moyen de laisser de la place à l'interprétation de celui qui regarde?
Ce qui est caché suscite la curiosité et invite au jeu. Observer longuement à la recherche de formes et de figures est avant tout un jeu et une surprise pour moi, qui voit une nouvelle image se créer devant mes yeux, mais cela peut certainement être un jeu aussi pour ceux qui, curieux, veulent s'amuser à observer mes travaux et peut-être partagent mon même esprit. Par exemple, j'aime les symboles et les allégories dans les œuvres car ils renvoient à des idées, des pensées ou des histoires de l'auteur, mais ils évoquent aussi des pensées et des histoires de l'observateur en créant des connexions.

#7 réponse
Si vous deviez choisir un seul mot pour décrire l'atmosphère que vous souhaitez évoquer dans vos œuvres, quel serait-il?
Inattendu. Je pense que cet adjectif résume le mieux mon empreinte car il inclut d'une certaine manière la casualité, le jeu et le changement, des éléments qui font partie de moi et de mes œuvres. Mon processus créatif évolue avec moi, j'ai envie de raconter des histoires imaginaires ou surréalistes avec des symboles et des allégories. Je pense cependant que cet aspect, l'inattendu, restera avec moi, nous verrons.

#8 réponse
Nous arrivons presque à la fin de l'interview, à la rédaction nous sommes tous passionnés de musique et c'est l'un des langages artistiques que nous privilégions, pourrais-tu nous dire trois pistes auxquelles tu es particulièrement attaché. Merci.
En parcourant le portail, j'ai remarqué que vous aimez la musique, je ne veux pas dire la bonne musique car en matière de goûts musicaux, ils ne sont pas différents des goûts culinaires, chacun a les siens, certains mangent de tout, d'autres mangent un peu de tout, d'autres n'aiment pas les légumes ou évitent la viande.

Cela me fait mal de n'en choisir que trois, mais, dans le cadre de mes goûts, le hasard a décidé aujourd'hui de celles-ci : Monk's Mood - Thelonious Monk (Underground), Ma come fanno i marinai - (Banana Republic), Pyramid song - (Kid A).