Dextérité artistique et authenticité expressive : l'art de Marco Morosini

Au cours des dernières années, la recherche créative de Marco Morosini a exploré un thème actuel : l'aliénation de l'homme dans la société moderne. À travers un langage visuel fortement influencé par le mouvement de la Pop Art et par la graphique commerciale, Morosini représente des sentiments d'isolement, d'anonymat et de conformisme. C'est ainsi que la série Uominiuomini, un hommage provocateur à la production de masse, est née. Chaque petit homme, dépourvu de traits distinctifs et vêtu de manière uniforme, est reproduit mécaniquement. Ces figures archétypales ont été inspirées par des icônes de la Pop Art telles que Roy Lichtenstein et Andy Warhol, et ont été créées à l'aide de techniques sérielles. À une époque dominée par l'intelligence artificielle, Morosini revendique la nécessité d'œuvres réalisées par l'homme pour l'homme. Actuellement, Uominiuomini REFLEX est exposé à l'espace d'Orea Malia, situé via Ugo Bassi à Bologne.

Nous découvrons Marco à travers une longue interview, où nous parcourons sa carrière artistique et les moments les plus significatifs qui l'ont conduit à s'affirmer sur la scène nationale et internationale.

#answer1

Bonjour Marco, je suis très heureuse de t'accueillir dans cet espace virtuel et d'échanger avec toi. Je suis curieuse et j'ai beaucoup de questions à te poser, commençons tout de suite. En 1996, tu t'es installé à Vienne pour une expérience au studio No Frontiere Design, ta première expérience internationale, je suppose que cela a été un moment important pour ta carrière artistique. Quel est le souvenir lié à ce moment?

Bonjour Maria Rosa, je suis très heureux de cette interview et je te remercie pour le temps que tu me consacres. Le souvenir de Vienne est vraiment spécial pour moi. J'y suis allé pour la première fois avec ma Mercedes 200/8 de 1969, la première voiture que j'ai achetée pour 2 500 000 lires. Cette voiture m'a accompagné à l'université d'Urbino et dans ma première expérience professionnelle à Vienne. À l'époque, la technologie en était encore à ses débuts et nous utilisions le fax comme principal moyen de communication. Je me souviens avoir envoyé tellement de pages de mes projets graphiques que j'ai épuisé toute l'encre du fax, ce qui a irrité le propriétaire de No Frontiere Design car j'ai fini par surchauffer la machine. Malgré ces incidents, l'expérience a été fantastique. J'avais déjà étudié en Allemagne et j'appréciais beaucoup l'ordre et la précision du monde anglo-saxon dans la typographie et la photographie. Internet était également une nouveauté, limité à un petit ordinateur utilisé uniquement pour envoyer des e-mails aux fournisseurs. Nous utilisions un système innovant appelé Quick Mail pour communiquer au sein du studio, ce qui était parfois aliénant car nous parlions avec des personnes à quelques mètres de distance à travers la technologie. No Frontiere Design était l'un des studios les plus high-tech en Europe et cette expérience m'a laissé un souvenir indélébile.

#answer2

Après ton expérience à Vienne, tu rencontres Oliviero Toscani et tu commences ton expérience à Fabrica, le centre de recherche sur la communication promu par Benetton et dirigé par le maître. Cette année, Fabrica fête ses 30 ans et j'imagine que vivre cette effervescence culturelle a été pour toi une grande source d'inspiration et de connaissance. Peux-tu me raconter ce que cette rencontre et l'expérience à Fabrica ont signifié pour toi ?

Je me considère très chanceux d'avoir participé à ce moment historique de Fabrica. Souvent, lorsqu'on vit des événements sociaux ou artistiques significatifs, on ne se rend pas compte de l'importance du moment. On est plongé dans un tourbillon si rapide qu'on n'a pas le temps de réfléchir à la valeur de ce qu'on vit. Ce n'est que des années plus tard, en regardant en arrière, qu'on apprécie vraiment l'unicité et la pertinence de cette période. Pour moi, Fabrica et Oliviero Toscani ont été fondamentaux. Toscani a été un grand maître, m'enseignant la vraie créativité et l'expression authentique. Je suis arrivé en tant que graphiste et je suis reparti en ayant appris à communiquer à travers les images, laissant de côté la décoration pour embrasser l'expression. Toscani avait une méthode d'enseignement unique : nous travaillions sur des projets individuels et les présentions devant tout le groupe dans l'auditorium. Chaque présentation était suivie de commentaires sincères et directs des autres participants. Cet échange honnête et libre de contraintes permettait une croissance personnelle et professionnelle incroyable. On comprenait vraiment la valeur de notre travail et nous étions stimulés à nous améliorer constamment.

Fabrica était un lieu où convergaient les meilleures esprits créatifs du monde. Je me souviens de camarades fantastiques venant du Japon, d'Allemagne, d'Espagne, du Portugal, du Brésil, d'Angleterre et de nombreux autres pays. Il y avait un melting pot culturel incroyable, avec des personnes prêtes à apprendre et à donner le meilleur d'elles-mêmes. Le soir, le gardien nous chassait littéralement de Fabrica car il devait fermer l'établissement, éteignant souvent la lumière pour nous faire sortir. Nous étions tellement absorbés par nos projets que nous ne remarquions pas qu'il était déjà neuf heures du soir.

#answer3

Les années suivantes ont également vu des collaborations outre-Atlantique, d'abord à New York, appelé par Miramax pour superviser le projet éditorial de Talk Magazine, puis à Paris pour Liberation et aussi en Italie pour l'hebdomadaire italien L'Espresso. Comment ces expériences internationales ont-elles influencé votre travail?

Je suis arrivé à New York grâce à Oliviero Toscani, qui m'a appelé en tant que directeur artistique pour le magazine Talk Magazine. Ce fut une expérience extraordinaire; je n'avais jamais vu New York auparavant, et à 28 ans, en 1999, je me suis retrouvé propulsé dans une réalité totalement nouvelle et fascinante. Dès la première minute, j'ai été plongé dans un travail frénétique, contribuant à la nouvelle identité graphique de Talk Magazine ainsi qu'à la campagne We on Death Row de Toscani pour Benetton. Je me souviens que le premier numéro de Talk Magazine a été distribué avec un catalogue spécial, We on Death Row, que j'avais conçu depuis l'Amérique. J'ai travaillé sur la conception graphique du catalogue et des affiches. Toscani avait passé les dix dernières années à photographier les condamnés à mort, créant une campagne choquante qui a suscité des réactions fortes, certains magasins Benetton américains refusant d'exposer la marchandise. En Amérique, en effet, il y a un pourcentage significatif de personnes favorables à la peine de mort. Cette expérience m'a énormément formé, me retrouvant dans l'une des villes les plus dynamiques du monde et travaillant pour un magazine produit par Miramax, qui avait accès aux plus grandes stars. Les images de célébrités telles que Matt Damon, Robert De Niro, Martin Scorsese et Jennifer Lopez, photographiées par Toscani, enrichissaient les pages du magazine.

Mon expérience avec Liberation à Paris a été l'un des projets les plus complexes et difficiles de ma carrière. Encore une fois, Toscani m'a appelé en tant que directeur artistique pour l'aider à réaliser l'almanach des trente ans du quotidien Liberation. Ce fut un travail extrêmement exigeant : nous avons sélectionné et photographié les articles les plus significatifs de trois décennies, construisant une architecture narrative illustrant les moments forts et les thèmes principaux de l'histoire du journal. Alex Marashian, un esprit brillant, a également participé à la direction créative. Je me souviens d'un jour, après une journée particulièrement éprouvante, rentrant chez moi, Toscani s'est appuyé sur l'ascenseur en acier et m'a dit : "Je n'avais vraiment pas besoin de prendre ce travail, c'est trop compliqué, lourd et difficile." J'ai répondu : "Moi non plus je n'en avais pas besoin, mais Oliviero, nous devons le mener à bien." Et c'est ce que nous avons fait, réussissant à mener le projet à bien.

L'expérience avec L'Espresso, bien que brève, a été très stimulante. Nous avons réalisé quelques couvertures avec Toscani, cherchant toujours à éviter la banalité et à communiquer à travers des images puissantes et libres. Malheureusement, nous n'avons pas réussi à obtenir la pleine liberté d'expression que nous souhaitions. Une fois de plus, c'est Toscani qui m'a appelé pour collaborer, et je l'ai aidé dans le projet sans chercher à revendiquer des mérites qui ne m'appartiennent pas. Réaliser des couvertures capables de transmettre un message fort et expressif a toujours été très gratifiant pour moi.

#answer4

En 2001, Lo studio est né à Pesaro, un peu comme revenir à la maison après avoir voyagé et vécu de nombreuses expériences ailleurs. Pourquoi précisément là, où tu es né et as grandi?

Oui, en 2001, après avoir terminé mon expérience à Fabrica et en Amérique, je suis retourné dans ma ville natale, Pesaro, où j'avais étudié à l'Institut d'Art. Nous avions un vieux espace industriel en périphérie, complètement abandonné, avec un toit qui laissait entrer l'eau et plus de fenêtres. Malgré ses conditions désastreuses, cet espace avait un charme incroyable et une lumière merveilleuse. J'ai décidé de le rénover et de le transformer en mon quartier général : le studio et la résidence ensemble dans un immense loft de près de 1000 m². Au début, j'étais seul à y travailler, mais bientôt, avec l'augmentation des projets, j'ai commencé à collaborer avec une jeune graphiste. Lorsqu'elle répondait au téléphone en disant : Studio Morosini, bonjour", cela donnait l'impression qu'il y avait cent personnes qui travaillaient pour moi, mais en réalité, nous n'étions que tous les deux.

Au fil du temps, le studio a grandi et nous avons commencé à collaborer avec différentes marques internationales. En 2005, à l'intérieur de cet espace, est né et s'est développé la marque Brandina. Cet endroit abritait également ma galerie d'art personnelle, où j'ai exposé mes premières œuvres de la série UominiUomini, les installations Stone Messages avec des pierres tombales en marbre, les Boîtes de Mémoire et d'autres projets artistiques qui prenaient forme. Cet espace m'a permis d'exprimer pleinement ma créativité et de partager mes œuvres avec le public.

#answer5

En 2005, avec Barbara Marcolini, j'ai fondé la marque Brandina, spécialisée dans la création de sacs et d'accessoires fabriqués à partir du tissu des transats de plage. Les créations de la marque sont devenues une icône dans l'univers balnéaire, alliant l'originalité du tissu aux racines traditionnelles de la Riviera Adriatique. Racontez-moi comment ce projet est né.

En 2004, j'ai réalisé le livre Divi di Rimini, un portrait photographique des maîtres-nageurs publié par Electa Mondadori. Ce livre rassemblait toutes mes photographies des maîtres-nageurs de la côte romagnole, prises en parcourant 40 km de côte de Cattolica à Bellaria. J'ai photographié les personnes les plus charismatiques et représentatives de la Riviera, les racontant à travers mes images. En couverture, j'ai mis la photo d'un maître-nageur, mais je sentais que cela ne suffisait pas pour transmettre l'énergie et l'atmosphère marines présentes dans les pages. J'ai donc décidé d'ajouter une jaquette réalisée avec le tissu des transats de plage.

C'est ainsi que j'ai été en contact avec ce matériau à rayures colorées, utilisé sur toute la Riviera Adriatique, qui renferme nos rêves, nos premiers baisers, nos baignades en mer et nos vacances d'été. J'ai réalisé son fort pouvoir expressif et j'ai décidé de l'utiliser non seulement pour la couverture du livre, mais aussi pour créer des accessoires et des sacs de plage. C'est ainsi que la marque BRANDINA est née.

Avec ma femme Barbara, qui est architecte et s'occupe du style et de la gestion des magasins, je m'occupe de la partie créative et graphique. La marque rencontre un grand succès : à ce jour, nous avons six magasins en propre et avons choisi de rester petits, en nous concentrant sur notre Riviera Adriatique. Nous ne voulons pas devenir une marque mondiale, mais une marque glocale : locale et unique, tout en ayant une visibilité internationale. Nous croyons fermement en la beauté d'être singuliers et provinciaux, en résistant à la mondialisation qui uniformise tout partout. Nos magasins sont uniquement ici, et ceux qui souhaitent nos produits depuis l'étranger peuvent les acheter directement dans nos points de vente ou en ligne.

#answer6

Toujours dans les Marches, après un long travail de restauration, au printemps 2013 ouvre le Château de Granarola, une demeure historique et un lieu d'accueil international immergé dans la nature sur une colline surplombant la mer. Le premier Long Stay House by Brandina. On dirait retrouver en cet endroit tout ce qui constitue ton imaginaire créatif et l'essence du lien avec ta région. Peux-tu me parler de ta relation avec les lieux où tu sens pouvoir pleinement exprimer ton talent artistique.

Oui, Granarola est un lieu auquel je suis profondément attaché depuis 2007. Je suis né à seulement 3 km de cet endroit et à chaque fois que j'y vais, je respire l'air qui m'a vu grandir. J'ai acheté cette vieille ruine pour la sauver d'une spéculation immobilière qui voulait la transformer en appartements. J'ai pris soin de restaurer chaque pierre, reconstruisant les pièces avec la meilleure exposition au soleil et en utilisant des matériaux naturels. J'ai suivi chaque détail architectural, graphique et d'ameublement.

Aujourd'hui, le Château de Granarola est un relais avec 24 résidences, chacune avec un design unique. Les six nouvelles résidences récemment inaugurées accueillent six de mes processus artistiques : BRANDINA, The Art of Selling a Bag, New Humanity, Basis, UominiUomini et Stones. Granarola est un lieu qui m'appartient profondément ; il me ressource et m'inspire. C'est un endroit complètement immergé dans la nature et qui vit au rythme de la nature, offrant un refuge de paix et de sérénité.